Los mensajes ocultos en La muerte de Procris
de Piero di Cosimo, artista renacentista italiano.
Procris Πρόκρις fue
hija de Erecteo, famoso rey de Atenas y Praxitea, se casó con Céfalo
pero a causa de los celos de ambos ella terminaría muerta por una
jabalina. Sin embargo no es su historia mitológica lo importante en este
cuadro sino los mensajes de naturaleza alquímica que su autor nos quiso
hacer llegar.
- Lo primero a destacar serían los colores dorado y rojo de la túnica de Procris, hacen referencia a la conocida Piedra Filosofal que transformaba todos los metales en oro.
- Por encima de hombro vemos un árbol joven que surge, el árbol
filosófico, muerte de la materia seguida por un viaje espiritual y su
inmortalidad del alma.
- El perro Laelaps regalo bien de Minos o
de Artemisa aparece en primer plano cuidando de Procris y atrás junto
con otros dos perros. Representa a la figura más importante para los
alquimistas Hermes Trismegisto, un dios nacido de la unión del Hermes
griego con el Thot egipcio de la época ptolemaica.
- Los dos
perros del fondo simbolizan el estado sólido y volátil mientras que el
pelícano blanco se refiere al Albedo la segunda fase entre el Nigredo y
el Rubedo para obtener la piedra filosofal.
http://tourvirtuale.museicapitolini.org
nos brinda la oportunidad de realizar una impresionante visita virtual, con
total libertad para apreciar hasta el mínimo detalle, de los Musei Capitolini. El
museo de propiedad pública más antiguo del mundo, fundado en 1471 cuando el
papa Sixtus IV dono un grupo de estatuas de bronce, previamente alojadas en el
Laterano, al pueblo de Roma. El Palazzo
dei Conservatori y el Palazzo Nuovo, junto con el Palazzo Senatorio son los
edificios que forman la conocida Piazza del Campidoglio.
Recordad que desde el pasado 29 de febrero y hasta
el 9 de septiembre de 2012, por primera vez en la historia, un centenar de documentos
originales seleccionados de entre los tesoros de incalculable valor,
preservados y custodiados por el Archivo Secreto Vaticano durante siglos, salen
de las paredes de la Ciudad del Vaticano, con el fin de ser mostrados en los Musei
Capitolini.
Pronto os traeremos un post dedicado a Lux in Arcana.
La revolución monoteísta de Akhenaton llevada a cabo durante el Imperio Nuevo egipcio no solo influyó en la vida religiosa del país sino también en el hasta entonces rígido arte egipcio. Gracias a estos nuevos aires que ya se intuían durante el reinado de Amenhotep III se crearan las muestras más finas que a mi gusto se han encontrado hasta la fecha. Naturalismo, cercanía y extrema elegancia serían las claves de esta nueva tendencia. Los ejemplos más signficativos del arte amarniense los encontramos en el tesoro de Tutankamon, porque si bien llevó a Egipto de nuevo al politeísmo, gran parte de su ajuar funeario pertenece a Amarna, de hecho seguramente gran parte del material de su tumba perteneciera a su padre Akhenaton, considerado un hereje a posteriori. Para profundizar más os recomiendo leer el artículo El faraón del sol.
Como muestra os traigo una pequño slide experimental, porque es el primero que hago, si os gusta haré más del estilo y si voy aprendiendo intentaré hacerlos más currados. Todas las imágenes las agregaré al FB.
Hace poco días ha vuelto a escena ese gran juego que se llama Assassin's Creed en su continuación de la segunda parte que se había centrado en Florencia, para la cual, si recordáis, habían sacado en la red una serie de tres cortometrajes bajo el nombre de Lineage. Ahora nos encontramos en Roma, con el hilo conductor de la lucha entre los asesinos y los templarios, el Vaticano y los Borgia. El juego en sí, para mi gusto, es una maravilla visual que nos traslada a la Italia Renacentista con un nivel de detalle excelente. Y es así que he decidido dedicarle un capítulo del ciclo del Arte fantástico a algunos de los bocetos utilizados para su desarrollo, sumaré además algún screenshot del juego y su magnífico trailer.
Ciertamente aún no había llegado el tiempo cronológico de tratar la Capilla Sixtina dentro de este ciclo, sin embargo he leído un par de noticias que me han obligado a ponerlo de actualidad, eso sí, cuando llegue el momento hablaré en detalle de esta magnífica obra de la manera que tenía pensada.
Pues bien, según ha salido en un artículo del italiano Corriere della Sera, la experta Elena Lazzarini de la Universidad de Pisa ha manifestado que Miguel Ángel se había inspirado para sus modelos en los baños-burdeles de la Roma del siglo XVI conocidos popularmente como stufa. Lugares donde se ejercía más o menos consentidamente la prostitución de ambos sexos en las estancias más apartadas mientras se llevaban a cabo otros tratamientos de hidroterapia.
En los stufa los artistas estudiaban los cuerpos reales, los modelos, y después trasladaban sus rasgos más destacados a sus obras. De hecho, Lazzarini cree que Miguel Ángel obtuvo gran parte de sus conocimientos sobre la anatomía del cuerpo masculino gracias a sus visitas a estos burdeles. La misma fuente de inspiración que, según la experta, puede hallarse en algunos de los trabajos de Bronzino.
Esta particular forma de copiar del natural es la que explica, a juicio de Lazzarini, el hecho de que muchos de los beatos y condenados que forman parte de los frescos de la Capilla Sixtina fueran retratados en situaciones obscenas.
Un condenado, por ejemplo, es conducido al Infierno cogido por los testículos, y los beatos se dan besos y abrazos de naturaleza claramente homosexual, y añade los cuerpos masculinos, muy viriles, que componen la pintura del Juicio Final se corresponden con la fisiología de peones y cargadores retratados durante el trabajo, con los músculos tensados y con el cansancio y el esfuerzo reflejados en sus rostros.
Tengo que decir que si esto fuera cierto no sería nada extraño para los artistas de la época como lo decía ya Leonardo, el artista debe inspirarse en la naturaleza, y que hay más natural mujeres y hombres desnudos en unos baños.
Ya que tratamos el tema de la Capilla Sixtina quisiera añadir la intención de crear una especie de copia virtual por parte del Consejo Nacional de Investigación CNR de Italia con el objetivo de reducir la afluencia masiva de turistas ya que según comenta Antonio Paolucci director de los Museos Vaticanos deterioran la calidad de los frescos, como ocurrió en su día con la cueva de Altamira en Cantabria.
La idea es lanzar un proyecto de museo virtual que permita al público profundizar en su visita y en los contenidos de la obra, con un instrumento más para acceder a este importante patrimonio, según explica Eva Pietroni, coordinadora del CNR para el Instituto de Tecnologías Aplicadas a los Bienes Culturales. El objetivo es regular el flujo de visitas, no cerrar la Capilla Sixtina al público, simplemente ofrecer al visitante una herramienta para que se oriente mejor y entre a ver la obra familiarizado con su contenido, apunta Pietroni. el visitante puede completar la información, acercarse con otra perspectiva a la obra, pasear por el espacio y captar elementos que de otro modo no percibiría.
Paolucci comentó los resultados del trabajo de limpieza que un grupo de 30 especialistas ha llevado a cabo durante el verano para limpiar el polvo que habían acumulado durante los últimos cuatro años los frescos de Miguel Ángel, Botticelli y Perugino que adornan la capilla. El problema de este lugar visitado cada día por miles de personas -dijo- es la presión antrópica excesiva, que necesitaría algunos cambios y compensaciones ambientales de proporcionada eficacia.
Esperemos que el gobierno italiano no repare en gastos a la hora de conservar este Patrimonio de la Humanidad. Medidas que deberían tomar nota en España porque es de vergüenza el estado que se encuentran muchos de los tesoros artísticos que tenemos en nuestro país, no es la primera vez que gente que visita Italia me comenta que nos dan mil vueltas en el terreno de conservación, turismo y explotación de sus recursos (a veces de manera excesiva cierto). Yo que tengo el ejemplo cercano del Prerrománico Asturiano en Oviedo que ha sido declarado también Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO tengo que contemplar como cada dos por tres salen noticias alarmantes en el periódico denunciando su nivel de abandono y su estado precario, casi irrecuperable, de obras de arquitectura únicas en el mundo mientras la administración no deja de dar largas o recortar fondos para algo tan fundamental. No creo que os esté contando algo que os suene a nuevo, es un mal común en este país que debería aprender a cuidar más de su patrimonio, porque no hace falta ser Roma y tener una Capilla Sixtina para mirar por la cultura.
Hasta que llegue el momento que veamos realizada esa idea de Museo Virtual, os dejo con dos pequeñas maravillas que he encontrado en la web de la Santa Sede en Roma, son dos magníficas visitas virtuales con gran definición a la Capilla Sixtina en primer lugar y a la Basílica de San Pedro, os añado los Links con un par de pantallazos para que comprobéis la calidad.
Pieter Brueghel fue un pintor flamenco del siglo XVI que en 1562 realizaría una de sus obras más oscuras y tétricas llamada El Triunfo de la Muerte. A primer golpe de vista lo que destaca son esos colores rojizos y ocres dándole un tono infernal a toda la obra. Se ha dicho que la intención de la pintura es tremendamente psicológica y moralizante, es decir un declaración de intenciones acerca de la futilidad del tiempo, de la poca importancia de los problemas humanos ya que a todos nos llegará la hora tarde o temprano.
Brueghel era un humanista influenciado por las obras de El Bosco, siguiendo la tradición flamenca de usar grandes formatos (117 cm x 162 cm) y desarrollar un sinfín de pequeños detalles en la composición, sin embargo la visión de la muerte en su caso es mucho más tétrica que el Bosco, ya que Brueghel no utiliza el cielo y el infierno cristianos.
Para representar esta idea decidió personificar a la Muerte como un enorme ejército de esqueletos destruyendo todo lo que se encuentra a su paso, mujeres, hombres y niños en un paisaje desolado sin vegetación, incluso el mar está agitado con naufragios y los faros en llamas. Es una visión casi apocalíptica influenciado por los episodios de Peste Negra que asolaron Europa en aquellos tiempos.
Nadie puede escapar de la Muerte sea cual sea su clase social, así podemos ver como en el extremo izquierdo un rey en todo su esplendor cae mientras un esqueleto le muestra el reloj de arena y otro roba su oro indicando el poco valor del dinero en la otra vida así, es un símbolo de los pecados de la avaricia y la codicia. Los monjes y religiosos son arrasados junto con los caballeros que se defienden sin éxito con la espada, vemos ya a la derecha como el bufón de la corte se esconde aterrado debajo de la mesa sin solución.
Analicemos con cuidado lo que ocurre en primer plano, podemos ver una gran batalla final con La Muerte encima de un caballo rojizo famélico, guadaña en mano, arengando a sus tropas mientras barre a los hombres en una gran masacre. Los condenados y derrotados hombres son empujados a un enorme ataúd quizás alegoría de la boca del infierno mientras son custodiados por los ejércitos del inframundo que usan como escudos tapas de madera de ataúd en una escena macabra. A la izquierda se muestra el carro de los muertos recogiendo los cráneos de los infelices mientras porta un reloj de arena y una campana simbolizando que el final de la cuenta de la vida ha llegado. Lo cierto es a mí todo esto me da una sensación de influencia de la Divina Comedia de Dante, pero repito es una opinión totalmente personal.
Si nos fijamos en el detalle de la derecha podemos ver a los esqueletos irrumpiendo en una especie de fiesta con juglares y parejas de amantes, la muerte de nuevo se burla de los placeres mundanos, del amor y de la comida. Observamos un par de enamorados ajenos al drama tocando el laúd con un esqueleto a su lado mofándose de ellos tocándolo también a su vez. Los jugadores de cartas rodeando la mesa junto con los amantes representan los pecados de la pereza, la gula y la lujuria y por ello deben ser ajusticiados.
A la izquierda vemos una pequeña charca o laguna donde hay cuerpos de muertos ahogados con su vientre hinchado mientras otros son arrojados y asesinados. Los esqueletos usan redes de pescador para atrapar a los vivos mientras otros vestidos de blanco tocan trompetas en un guiño quizás del Apocalipsis. Además en el extremo izquierdo de la obra podemos fijarnos como tañen una campana gigante oxidada.
El fondo no es menos terrible, la infantería por la derecha y caballería de la izquierda rodean sin posibilidad de escapatoria a los hombres del centro. Existe una especie de Iglesia o casa donde los esqueletos se concentran esperando para atacar.
Por doquier hay ejecuciones, horcas, decapitaciones y torturas como las ruedas usadas en los juicios a los herejes condenados por la Iglesia. A esto se suman los incendios, pillajes y expolio del cementerio, sacando los cadáveres de las tumbas que se unen al ejército de la Muerte.
Esta obra peterneció a Isabel de Farnesio, segunda esposa de Felipe V, que la tenia en el palacio de la Granja, actualmente se encuentra en exposición en el Museo del Prado en Madrid.
Así como al esculpir aparece lentamente en el interior de una roca el fondo de una figura viva que crece tanto más cuanta más piedra se elimina, así es indicio de un buen hacer que el alma aparezca trémula oculta bajo esta superficie, esta naturaleza pétrea de la propia carne. Sólo tu puedes liberarme de estas caras exteriores; a mí me faltan la voluntad y la fuerza para combatirlas.
-Miguel Ángel
Este es el apelativo con el que Ludovico Ariosto calificaba a su contemporáneo Miguel Ángel Buonarroti en su poema épico Orlando Furioso. Realmente ha habido pocos artistas que merecieran con honores ese nombre, marcó sin duda un antes y un después en la historia del arte y gozó de las miles del éxito bien pronto en su longeva vida. Sin embargo hay más profundidad en IL Divino, aunque los pintores y escultores del siglo XV ya se consideraban representantes terrenales de las fuerzas divinas, fue Miguel Ángel quien encarnó sin duda la representación del artista como dios, ocupando un lugar como referente único. Esto fue debido a varios factores como fueron la calidad de sus obras, superiores en gran medida a la de sus colegas, su variedad, en pintura, escultura y arquitectura, y por último y más importante unas buenas relaciones sociales gracias a sus mecenas-clientes.
Tengo por tanto intención de profundizar en el mundo de Miguel Ángel, tratar de descubrir su vida a través de sus obras más populares, intentando obtener datos no tan conocidos más allá de los tópicos. Cuales son sus verdaderas historias, qué pensaba el artista cuando las concibió y con qué propósito real. Veremos su escultura magnífica, sus pinturas analizadas con detalle y por último sus diseños de arquitectura.
Lo cierto es que como artista y artesano propiamente dicho pudo mantener la independencia frente a las tradiciones y las presiones de sus clientes en mayor medida que ningún otro artista anterior siguiendo sus propios impulsos creadores. Lo cual en la Italia Renacentista dice mucho del carácter y de la posición de privilegio que llegó a alcanzar y que iremos comprobando paso a paso según avance el ciclo.
Tenemos la suerte de que no hay mucha oscuridad sobre la vida del autor, no es necesario recurrir a leyendas al menos en la mayor parte de su historia. Los datos de la biografía de Miguel Ángel nos vienen sobre todo de dos fuentes: Vida de Miguel Ángel de Giorgio Vasari y la de Ascanio Condivi, éste último bastante benevolente con el artista. Vasari pintor y biógrafo de artistas natural de Arezzo nos ha legado algunos datos del carácter de Miguel Ángel que nos ayudarán a ir conociendo a quien nos enfrentamos como por ejemplo que llevaba una vida frugal, nunca comía en compañía, no aceptaba regalos porque se sentía comprometido a devolverlo, aunque era rico vivía como un pobre durmiendo muy pocas horas y considerando el sexo como un lastre para el desarrollo del artista. Personalidad difícil en muchos casos exagerada, mal humor, soberbia y hasta cierta tiranía con sus clientes, él se lo podía permitir.
Nacido en Caprese en 1475 no lejos de Arezzo. En su familia, florentina, había comerciantes y administrativos nada de artistas por eso Vasari se empeñaría en justificar su opción profesional como si de la voluntad de Dios se tratara que decidiera que naciera en la Toscana, la región de las Bellas artes, como un ángel divino, un Michael Angelus.
Sin embargo un artista es más que genio y talento innato, que los tenía, vive en unas circunstancias sociales según su tiempo y su familia, los Buonarroti eran aristócratas florentinos pero no de demasiado peso político y sin medios económicos boyantes. A su padre, hermanos y sobrinos destinaría la mayor parte de su enorme fortuna con el objeto de verles prosperar económica y socialmente. Su padre Ludovico pertenecía a la alta burguesía, era güelfo, en contraposición a los gibelinos defensores del poder Imperial y político, secundaba por tanto la tendencia política de salvaguardar la independiencia de Florencia frente a extranjeros como los Papas o de familias como los Medici cuyas intenciones políticas iban en contra de las ideas republicanas de la burguesía güelfa. La acaudalada familia durante el siglo XV había mostrado su intención de prominencia florentina bajo un mecenazgo artístico, pero ya en el siglo XVI, mostrarían sus intenciones políticas no tan escondidos, de hecho en algunos momentos de forma violenta. El carácter güelfo de su familia le ocasionaría a Miguel Ángel varias desavenencias sobre todo en los primeros de su carrera hasta el punto cumbre causado por el hecho de que fue Lorenzo el Magnífico el que le ayudaría en su iniciación en el mundo de la escultura.
En su infancia, no parece haber cursado más estudios que los de la enseñanza básica elemental. A los doce años se inicia en sus estudios de pintor en el taller de Domenico Ghirlandaio, en donde había estado trabajando como recadero. Aunque no se sabe a ciencia cierta que clase de estudios recibió en el taller sin duda empezó a entrenarse con el dibujo y a conocer el manejo de los colores. Sus pinturas de la Capilla Sixtina demostrarían posteriormente que sin duda había tenido una buena base gracias a su maestro, autor de algunas de las primeras pinturas murales de la misma capilla.
Durante esta época al igual que la mayoría de sus compañeros, trataba de igualar los modelos de maestros de mayor edad como estudios que se han conservado acerca de El pago del tribuno de Masaccio en la iglesia de Santa María del Carmine o La ascensión de San Juan Evangelista de Giotto en la iglesia de la Santa Croce de Florencia, aunque hay que decir que para algunos estudiosos es dudable esta atribución. Para Dante, Villani e incluso Leonardo da Vinci entre otros eran Giotto y Masaccio los protagonistas de las últimas tendencias del arte florentino. Y es que para el gran Leonardo el arte se degradaba profundamente cuando los pintores jóvenes copiaban a los mayores, para Da Vinci el buen artista debe inspirarse totalmente en la naturaleza como modelo, así es como realmente puede alcanzar la más alta cúspide de su desarrollo, por desgracia en las escuelas se alentaba más bien a la "copia" hasta que Giotto llegó y se inspiró, como debía de ser, en la naturaleza que le rodeaba entre montañas y cabras, como decía el propio Da Vinci, después de él solo Masaccio volvería a destacar por la misma razón.
La ascensión de San Juan de Giotto - Click para ampliar
El pago del tribuno de Masaccio - Click para ampliar
Miguel Ángel destruyó gran parte de sus dibujos seguramente para que nadie tuviera constancia de las obras de su aprendizaje, aunque conservó algunos deliberadamente quizás para ser considerado el sucesor de los dos artistas citados anteriormente. En mi opinión este aspecto no es nada criticable ya que seguramente a muchos de nuestros lectores que se dediquen a algún tipo de arte llamado pintura, dibujo o escritura también les habrán dado ganas de hacer desaparecer sus primeros bocetos una vez que han alcanzado cierta experiencia en su materia, de una manera algo infantil todos nos llegamos a sentir incómodos por mostrar nuestros inicios.
Posteriormente comenzarían sus estudios de escultura, ámbito donde se sentiría más cómodo y realizado. Al contrario que otros de sus contemporáneos Miguel Ángel nunca rechazó el concepto del arte manual, ni lo consideró algo tosco, digno de ocultar, hasta bien anciano él continuaba tratando la escultura como siempre lo había hecho, mármol y un cincel.
Miguel Ángel empezó en este mundo en el conocido como Jardín de San Marcos del citado Lorenzo de Medici, jardín de colección privada de arte situado frente al convento de San Marcos en el cruce de las actuales Via Sangallo y Via degli Arazzieri. Aqui Lorenzo sufragaba la formación de artistas jóvenes a partir de modelos de estatuaria griega. bajo la dirección del anciano maestro Bertoldo di Giovanni que había sido aprendiz de Donatello. Aqui sería donde comenzaría a destacar el joven Miguel Ángel, en esta academia de jóvenes talentos se sabe que permaneció al menos dos años hasta la muerte de Lorenzo en 1492. Su incursión en la casa de los Medici le proporcionaría una posición privilegiada ya que no dependería de los vaivenes normales a los que se veía sometido cualquier artista medio florentino de obras de encargo, además de una posición social envidiable claro está.
En esta época creó un grupo escultórico llamado La batalla de los centauros donde se muestra un grupo de cuerpos desnudos cuya indentificación resulta bastante complicada. El tema seguramente sean las bodas de la Metamorfosis de Ovidio entre Piritoo rey de los Lapitas e Hipodamia, a las que fueron invitados los centauros, los cuales ocasionarían algunos disturbios por desear a las mujeres ebrios por el vino, Piritoo solicita ayuda a su amigo Teseo, el del Minotauro, derrotando a los centauros.
Un detalle de esta escultura a destacar es el anciano calvo en el estremo izquierdo de la obra. Se le considera no un autoretrato de Miguel Ángel sino un criptoretrato. Es decir una representación de si mismo pero dentro de un determinado contexto y no del todo claro. Esta idea pudo venir de su intención de entroncar su obra con la Antigüedad clásica, ya que según se comenta en la obra de las Vidas Paralelas de Plutarco en la biografía de Pericles, gran parte de la envidia suscitada por los ciudadanos hacia el gran escultor Fidias pudo ser causada por un criptoretrato de éste en un relieve en el escudo de Atenea en el Partenón, donde se representa una lucha entre los atenienses y las amazonas, aquí aparecería un anciano levantando una piedra que sería el mismo Fidias en su sutil forma de firmar su obra.
Como podéis comprobar hasta la más mínima obra puede tener detalles ocultos que no conocemos pero que sin duda con el tiempo iremos descubriendo en este nuevo ciclo.
GALERÍA DE DIBUJOS - Click para ampliar
DOCUMENTAL - Miguel Ángel Superestrella
Como último detalle, os dejo un magnífico documental del Canal Historia acerca de Miguel Ángel donde se relata su vida y su obra a modo introductorio de lo que trataremos en el blog
