Hace tan sólo una semana se emitió en España el último capítulo de la exitosa adaptación de la novela Los Pilares de la Tierra de Ken Follet. Éxito en cuanto a audiencia y en cuanto a crítica porque si bien como adaptación, al menos en los dos últimos capítulos, se desvía bastante de la línea argumental del libro en general como producto es de reseñar su buena calidad y entretenimiento. No debemos olvidar que un libro de 1300 hojas no es nada sencillo de llevar a la pantalla tanto por la extensión como por el estilo narrativo completamente diferente a una serie para televisión, pero como todo en esta vida lo demás ya depende del gusto y del punto de vista de cada uno, juicios que no competen a este artículo.
La novela se sitúa en la aldea inglesa de Kingsbridge, lugar ficticio, en el periodo histórico conocido como La Anarquía, en el siglo XII durante el cual se estableció una disputa tras la muerte del rey Enrique I entre Esteban y su prima Matilde, situándose el primero bajo la corona a pesar de que no tuvo un reinado efectivo debido al constante clima de guerra por la disputa del trono. Este ambiente bélico terminaría tras la muerte de Esteban con la subida al trono del hijo de Matilde coronado como Enrique II, futuro esposo de la legendaria Leonor de Aquitania y padre de Ricardo Corazón de León.
El hilo argumental es de sobra conocido, la construcción de una nueva catedral que reemplazaría a la antigua contrucción románica del priorato. Pues bien, con esta excusa y aunque en las últimas imágenes de la serie se tome a la catedral de Salisburi retocada digitalmente como modelo, yo he decidido hacerle un homenaje escogiendo otra catedral no menos impresionante además de Patrimonio de la Humanidad desde 1986, la catedral de Durham.
Walter Scott definió Durham "Mitad iglesia de Dios, mitad castillo contra el escocés". Situado en la cima de una colina rocosa que domina una curva del río Wear, el conjunto monumental formando por la catedral y sus edificios anexos en el sur y por el castillo en el norte constituye uno de los perfiles urbanísticos más famosos de la Europa medieval.
En el año 995, monjes procedentes de la isla sagrada de Lindisfarne (a la que ya dedicaré un artículo), temiendo otra de las habituales y brutales incursiones de los vikingos decidieron enterrar los restos de san Cutberto, evangelizador de Northumbria y de san Beda el Venerable en un recodo fluvial del norte de Inglaterra, para mantenerlos en un lugar seguro. Casi un siglo después Guillermo el Conquistador nombró a un obispo para que constituyera un monasterio benedictino y un centro militar como baluarte fronterizo. El sucesor del obispo, Guillermo de Saint Clais, que admiraba las abadías de Normandía, se inspiró en ellas para construir la inmensa catedral de Durham.
La catedral fue construida a finales del siglo XI e inicios del XII concretamente entre 1093 y 1133, un periodo relativamente corto lo que nos demuestra el poder económico que lo respaldaba en el momento . Es un testimonio de las primeras comunidades benedictinas y el monumento más grande y espléndido de la arquitectura normanda en Inglaterra, pero aunque es un ejemplo del románico normando, muestra innovaciones muy atrevidas. El desconocido arquitecto que la diseñó experimentó con unas bóvedas que convertían en obsoletas las técnicas del románico, al tiempo que presagiaban la aparición del estilo gótico, al igual que el constructor Jack Jackson se inspiró en Saint Denis, Francia para sus innovaciones en Kingsbridge.
El deseo de incorporar más espacio y luz a la nave, lo que hacía necesario que las paredes fueran más altas, le indujo a evitar la contrucción de bóvedas pesadas en favor de una estructura nervada que pudiera sostener una cubierta de piedra mucho más ligera. Para encontrar un punto de apoyo en los muros más elevados donde convergían las nervaduras, diseñó un medio arco o arbotante, que ocultó bajo los techos de la nave. El arbotante y el arco ojival, elementos nacidos con la bóveda en nervadura, se convertirían posteriormente en los elementos distintivos de las iglesias góticas.
A pesar de todas sus innovaciones, Durham tiene el aspecto inconfundible del románico. Sus muros, columnas y pilares son anchos y robustos, mucho más de lo que requiere la estructura del edificio. Se cree que en el pasado aparecía profusamente decorada y que sus columnas estaban pintadas.
Detrás de la catedral se levanta el castillo, una antigua fortaleza normanda que soportó de manera regular los violentos ataques de las tropas escocesas. Máas tarde se convirtió en residencia de los obispos-príncipes de Durham y en el siglo XIX fue incorporada a la universidad de Durham.
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De interés, para los que quieran ver Los Pilares de la Tierra online, fueron emitidos por la cadena cuatro en España, además de mucho contenido extra podéis verla Aquí.
Cuando me encontré con semejante edificio con esa cúpula, su estructura y rodeado de vegetación no pude evitar abstraerme y pensar de nuevo en la arquitectura del planeta Naboo de la saga de SW. No es la primera vez que hablo aquí de la inspiración que llevó a George Lucas a construir el universo de ese lugar, le he dedicado ya varios artículos tanto a localizaciones como a la reina Amidala, lo cual me lleva a informaros que he decidido agrupar todos esos post en un ciclo bajo el nombre de StarWars. Inspiración y estilo que podréis encontrar en la pestaña ciclos del menú. Si bien he mantenido los títulos originales publicados para no liar a la gente. Volviendo al tema, he de decir que este lugar ni ha sido nombrado por su director ni ha aparecido como referencia en las películas, sin embargo quien me negaría que viendo estas imágenes no podamos estar en uno de los rincones de Theed, la capital del planeta de Amidala. Pues bien, el edificio en sí es el Palacio de Bellas Artes de la ciudad de San Francisco, situado en el distrito de la Marina muy cerca del Golden Gate y ahí donde le veis tiene una historia detrás bastante interesante que os resumiré a continuación.
La tarea de crear un Palacio de Bellas Artes para la exposición internacional Pacifico-Panameña de 1915 recayó en el arquitecto Bernard R.Maybeck que por entonces contaba con 50 años y era conocido por sus ideas innovadoras. Escogió para la ocasión como tema una especie de ruina romana, mutilada y sobredimensionada.
Acogiendo dicha exposición, que se inauguró el 20 de Febrero, San Francisco buscaba homenajear el descubrimiento del Océano Pacífico y la terminación del Canal de Panamá, además celebraba su propia resurrección tras el terremoto y el fuego de 1906 que dejó a la ciudad prácticamente destrozada.
Los problemas para escoger el sitio exacto en la ciudad habían sido superados finalmente y el trabajo ya llevaba un buen ritmo. El último de los edificios en levantarse, en la laguna y cerca a un grupo de cipreses de Monterrey fue el mencionado Palacio de Bellas Artes, con su salón de exposiciones para alojar la obra de artistas, en su mayoría los Impresionistas, su columnata y su rotonda en un bonito efecto óptico buscado ya que su forma se reflejaba en el agua al igual que en el cielo. Cuando el palacio fue terminado, en un estilo romano aunque libremente interpretado según una visión romántica y decoración griega, su gran armonía y estilismo fue rápidamente un reclamo para el público.
El salón propiamente dicho cubría un terreno de tres acres y era soportado por vigas inusualmente fuertes para la época. La columnata corintia constaba de un armazón de madera y recubierta con yeso y fibra. De la misma forma era la rotonda romana, el material envolvente era el ideal para un edificio de estas características ya que según los tratamientos que recibieran podría parecer piedra o mármol.
Muchos de los elementos decorativos fueron diseñados por un joven arquitecto de la misma oficina de Maybeck, Willian Merchenat. Bajo la cúpula de la rotonda se encontraban ocho paneles con bajorrelieves elaborados por Bruno L.Zimm, simbolizando la cultura griega. Las tristes figuras rodeando los huecos en la columnata fueron obra del escultor Ulric Ellerhusen. Algunos dicen que su intención era la de expresar contemplación, otros la melacolía de la vida sin el arte. Estas chicas "lacrimógenas" se diseñaron para ser posteriormente envueltas por una especie de enredadera, sin embargo por falta de fondos, las macetas en lo alto de las columnas nunca fueron plantadas así como las secuoyas que rodearían al palacio dándole una atmósfera aún más romántica si cabía.
Para cuando tuvo lugar la clausura de la exposición el 4 de Diciembre del mismo año, ya existía un movimiento para la preservación del palacio, se recogieron firmas y dinero, así que por un tiempo el edificio siguió acogiendo exhibiciones continuas de arte. Sin embargo en 1934 fueron instaladas una serie de pistas de tenis en el complejo, que sin la atención necesaria y por culpa del vandalismo se fue degradando a una verdadera ruina. Entonces la cosa empeoró cuando durante la Segunda Guerra Mundial fue requisado por el ejército para almacén de camiones y de jeeps.
Dos años después del final de la guerra, el palacio fue devuelto de nuevo a la ciudad, pero por entonces su estado era tal de ruina que se convirtió en un espacio inseguro para darle uso público. Fue entonces cuando comenzó un esfuerzo por preservarlo tal como estaba, se le preguntó al propio Maybeck su opinión, a lo que respondió
"Creo que el edificio principal debe ser derribado, y las secuoyas inicialmente planificadas, plantadas completamente alrededor de la rotonda. Así mientras crecen, las columnas irían desmoronándose lentamente a la misma velocidad, Entonces me gustaría diseñar un altar con una joven orando, para instalarlo en ese bosquecillo, Me gustaría que mi Palacio se fuera apagando tras esos enormes árboles y se convirtiera en su propio cementerio."
Finalmente entre 1957 y 1959, los fondos necesarios pudieron ser recogidos y el trabajo de demolición y posterior reconstrucción esta vez en un hormigón hiperligero comenzaron en 1964 por un coste de diez veces de su coste original. Sin embargo aunque terminado, el Palacio estaba sin un uso concreto y peor aún sin proyectos claros de contenidos.
En 1965, el profesor de física de la Universidad de Colorado, Frank Oppenheimer estaba en Europa donde visitaba varios museos de ciencia. El año siguiente fue invitado a una conferencia en Vermontprincipalmente a participar de los fenómenos naturales, en definitiva un Exploratorium. Realizó entonces varios viajes a San Francisco para discutir un museo de ese tipo en la ciudad, propuestas que fueron bien recibidas, de tal manera que en Julio de 1968 su idea comenzó a fraguarse seriamente. Al año siguiente el Palacio ya acogía pequeñas exposiciones temporales que serían la semilla del actual complejo que aún se mantiene.
En la pasada década, el Exploratorium ha conseguido aumentar enormemente su papel en la educación y exposiciones para el público, convirtiéndose en un núcleo para la interacción entre la ciencia y el público. Para continuar con este éxito, se han creado otros tres centros junto al museo el Centro de exposiciones públicas, que se ocupa en el desarrollo continuo de exposiciones del Exploratorium y otros programas; el Centro de aprendizaje y enseñanza encargado de los programas educaciones; y el Centro de colaboración del museo que se encarga de la tarea de relacionar sus contenidos con otras instituciones dentro y fuera del país.
Así como al esculpir aparece lentamente en el interior de una roca el fondo de una figura viva que crece tanto más cuanta más piedra se elimina, así es indicio de un buen hacer que el alma aparezca trémula oculta bajo esta superficie, esta naturaleza pétrea de la propia carne. Sólo tu puedes liberarme de estas caras exteriores; a mí me faltan la voluntad y la fuerza para combatirlas.
-Miguel Ángel
Este es el apelativo con el que Ludovico Ariosto calificaba a su contemporáneo Miguel Ángel Buonarroti en su poema épico Orlando Furioso. Realmente ha habido pocos artistas que merecieran con honores ese nombre, marcó sin duda un antes y un después en la historia del arte y gozó de las miles del éxito bien pronto en su longeva vida. Sin embargo hay más profundidad en IL Divino, aunque los pintores y escultores del siglo XV ya se consideraban representantes terrenales de las fuerzas divinas, fue Miguel Ángel quien encarnó sin duda la representación del artista como dios, ocupando un lugar como referente único. Esto fue debido a varios factores como fueron la calidad de sus obras, superiores en gran medida a la de sus colegas, su variedad, en pintura, escultura y arquitectura, y por último y más importante unas buenas relaciones sociales gracias a sus mecenas-clientes.
Tengo por tanto intención de profundizar en el mundo de Miguel Ángel, tratar de descubrir su vida a través de sus obras más populares, intentando obtener datos no tan conocidos más allá de los tópicos. Cuales son sus verdaderas historias, qué pensaba el artista cuando las concibió y con qué propósito real. Veremos su escultura magnífica, sus pinturas analizadas con detalle y por último sus diseños de arquitectura.
Lo cierto es que como artista y artesano propiamente dicho pudo mantener la independencia frente a las tradiciones y las presiones de sus clientes en mayor medida que ningún otro artista anterior siguiendo sus propios impulsos creadores. Lo cual en la Italia Renacentista dice mucho del carácter y de la posición de privilegio que llegó a alcanzar y que iremos comprobando paso a paso según avance el ciclo.
Tenemos la suerte de que no hay mucha oscuridad sobre la vida del autor, no es necesario recurrir a leyendas al menos en la mayor parte de su historia. Los datos de la biografía de Miguel Ángel nos vienen sobre todo de dos fuentes: Vida de Miguel Ángel de Giorgio Vasari y la de Ascanio Condivi, éste último bastante benevolente con el artista. Vasari pintor y biógrafo de artistas natural de Arezzo nos ha legado algunos datos del carácter de Miguel Ángel que nos ayudarán a ir conociendo a quien nos enfrentamos como por ejemplo que llevaba una vida frugal, nunca comía en compañía, no aceptaba regalos porque se sentía comprometido a devolverlo, aunque era rico vivía como un pobre durmiendo muy pocas horas y considerando el sexo como un lastre para el desarrollo del artista. Personalidad difícil en muchos casos exagerada, mal humor, soberbia y hasta cierta tiranía con sus clientes, él se lo podía permitir.
Nacido en Caprese en 1475 no lejos de Arezzo. En su familia, florentina, había comerciantes y administrativos nada de artistas por eso Vasari se empeñaría en justificar su opción profesional como si de la voluntad de Dios se tratara que decidiera que naciera en la Toscana, la región de las Bellas artes, como un ángel divino, un Michael Angelus.
Sin embargo un artista es más que genio y talento innato, que los tenía, vive en unas circunstancias sociales según su tiempo y su familia, los Buonarroti eran aristócratas florentinos pero no de demasiado peso político y sin medios económicos boyantes. A su padre, hermanos y sobrinos destinaría la mayor parte de su enorme fortuna con el objeto de verles prosperar económica y socialmente. Su padre Ludovico pertenecía a la alta burguesía, era güelfo, en contraposición a los gibelinos defensores del poder Imperial y político, secundaba por tanto la tendencia política de salvaguardar la independiencia de Florencia frente a extranjeros como los Papas o de familias como los Medici cuyas intenciones políticas iban en contra de las ideas republicanas de la burguesía güelfa. La acaudalada familia durante el siglo XV había mostrado su intención de prominencia florentina bajo un mecenazgo artístico, pero ya en el siglo XVI, mostrarían sus intenciones políticas no tan escondidos, de hecho en algunos momentos de forma violenta. El carácter güelfo de su familia le ocasionaría a Miguel Ángel varias desavenencias sobre todo en los primeros de su carrera hasta el punto cumbre causado por el hecho de que fue Lorenzo el Magnífico el que le ayudaría en su iniciación en el mundo de la escultura.
En su infancia, no parece haber cursado más estudios que los de la enseñanza básica elemental. A los doce años se inicia en sus estudios de pintor en el taller de Domenico Ghirlandaio, en donde había estado trabajando como recadero. Aunque no se sabe a ciencia cierta que clase de estudios recibió en el taller sin duda empezó a entrenarse con el dibujo y a conocer el manejo de los colores. Sus pinturas de la Capilla Sixtina demostrarían posteriormente que sin duda había tenido una buena base gracias a su maestro, autor de algunas de las primeras pinturas murales de la misma capilla.
Durante esta época al igual que la mayoría de sus compañeros, trataba de igualar los modelos de maestros de mayor edad como estudios que se han conservado acerca de El pago del tribuno de Masaccio en la iglesia de Santa María del Carmine o La ascensión de San Juan Evangelista de Giotto en la iglesia de la Santa Croce de Florencia, aunque hay que decir que para algunos estudiosos es dudable esta atribución. Para Dante, Villani e incluso Leonardo da Vinci entre otros eran Giotto y Masaccio los protagonistas de las últimas tendencias del arte florentino. Y es que para el gran Leonardo el arte se degradaba profundamente cuando los pintores jóvenes copiaban a los mayores, para Da Vinci el buen artista debe inspirarse totalmente en la naturaleza como modelo, así es como realmente puede alcanzar la más alta cúspide de su desarrollo, por desgracia en las escuelas se alentaba más bien a la "copia" hasta que Giotto llegó y se inspiró, como debía de ser, en la naturaleza que le rodeaba entre montañas y cabras, como decía el propio Da Vinci, después de él solo Masaccio volvería a destacar por la misma razón.
La ascensión de San Juan de Giotto - Click para ampliar
El pago del tribuno de Masaccio - Click para ampliar
Miguel Ángel destruyó gran parte de sus dibujos seguramente para que nadie tuviera constancia de las obras de su aprendizaje, aunque conservó algunos deliberadamente quizás para ser considerado el sucesor de los dos artistas citados anteriormente. En mi opinión este aspecto no es nada criticable ya que seguramente a muchos de nuestros lectores que se dediquen a algún tipo de arte llamado pintura, dibujo o escritura también les habrán dado ganas de hacer desaparecer sus primeros bocetos una vez que han alcanzado cierta experiencia en su materia, de una manera algo infantil todos nos llegamos a sentir incómodos por mostrar nuestros inicios.
Posteriormente comenzarían sus estudios de escultura, ámbito donde se sentiría más cómodo y realizado. Al contrario que otros de sus contemporáneos Miguel Ángel nunca rechazó el concepto del arte manual, ni lo consideró algo tosco, digno de ocultar, hasta bien anciano él continuaba tratando la escultura como siempre lo había hecho, mármol y un cincel.
Miguel Ángel empezó en este mundo en el conocido como Jardín de San Marcos del citado Lorenzo de Medici, jardín de colección privada de arte situado frente al convento de San Marcos en el cruce de las actuales Via Sangallo y Via degli Arazzieri. Aqui Lorenzo sufragaba la formación de artistas jóvenes a partir de modelos de estatuaria griega. bajo la dirección del anciano maestro Bertoldo di Giovanni que había sido aprendiz de Donatello. Aqui sería donde comenzaría a destacar el joven Miguel Ángel, en esta academia de jóvenes talentos se sabe que permaneció al menos dos años hasta la muerte de Lorenzo en 1492. Su incursión en la casa de los Medici le proporcionaría una posición privilegiada ya que no dependería de los vaivenes normales a los que se veía sometido cualquier artista medio florentino de obras de encargo, además de una posición social envidiable claro está.
En esta época creó un grupo escultórico llamado La batalla de los centauros donde se muestra un grupo de cuerpos desnudos cuya indentificación resulta bastante complicada. El tema seguramente sean las bodas de la Metamorfosis de Ovidio entre Piritoo rey de los Lapitas e Hipodamia, a las que fueron invitados los centauros, los cuales ocasionarían algunos disturbios por desear a las mujeres ebrios por el vino, Piritoo solicita ayuda a su amigo Teseo, el del Minotauro, derrotando a los centauros.
Un detalle de esta escultura a destacar es el anciano calvo en el estremo izquierdo de la obra. Se le considera no un autoretrato de Miguel Ángel sino un criptoretrato. Es decir una representación de si mismo pero dentro de un determinado contexto y no del todo claro. Esta idea pudo venir de su intención de entroncar su obra con la Antigüedad clásica, ya que según se comenta en la obra de las Vidas Paralelas de Plutarco en la biografía de Pericles, gran parte de la envidia suscitada por los ciudadanos hacia el gran escultor Fidias pudo ser causada por un criptoretrato de éste en un relieve en el escudo de Atenea en el Partenón, donde se representa una lucha entre los atenienses y las amazonas, aquí aparecería un anciano levantando una piedra que sería el mismo Fidias en su sutil forma de firmar su obra.
Como podéis comprobar hasta la más mínima obra puede tener detalles ocultos que no conocemos pero que sin duda con el tiempo iremos descubriendo en este nuevo ciclo.
GALERÍA DE DIBUJOS - Click para ampliar
DOCUMENTAL - Miguel Ángel Superestrella
Como último detalle, os dejo un magnífico documental del Canal Historia acerca de Miguel Ángel donde se relata su vida y su obra a modo introductorio de lo que trataremos en el blog
La iglesia abacial del siglo XII de Santa María Magdalena de Vézelay en Francia es una obra maestra del arte y la arquitectura románica borgoñonas. Los orígenes de Vézelay están relacionados con la leyenda en torno a un caballero. Hacia 960 Girart de Roussillon, el héroe del poema épico que lleva su nombre fundó un monasterio a orillas del Cure, junto a su esposa Berthe. Devastado unos años más tarde por los normandos se reconstruyó como abadía benedictina en la cima de una colina cercana, donde se encuentra actualmente.
Lugar de devoción desde el siglo IX, la colina de Vézelay se hizo famosa cuando se propagó la noticia de que las reliquias de santa María Magdalena, la pecadora descansaban en una abadía situada en ella. El gran flujo de peregrinos a que ello dio lugar hizo necesaria la construcción de una gran iglesia. La reconstrucción de la antigua iglesia abacial consagrada en el 1104. quedó destruida en el 1120 a causa de un incendio. Volvió a reconstruirse la iglesia, a la que se añadió un nártex en 1140-1150 a la nave de unos sesenta metros de longitud, se había consagrado la basílica de de Santa María Magdalena y sesenta monjes vivían en su monasterio. Se convirtió en destino de peregrinación aún más frecuentado por encontrarse al principio de la Via Lemovicensis, nombre latino de Limoges, uno de los cuatro caminos de peregrinación a Compostela. La afluencia de peregrinos fue tal que hizo que el pueblo alcanzara la elevada cifra para la época de 8000-10000 habitantes.
Vezélay llegó a ser tan crucial que en un domingo de Pascua de 1146, San Bernardo convocó allí los ejércitos de la segunda cruzada estando a la cabeza el rey Luis VII, la reina Leonor y una hueste de barones y prelados. Y 44 años más tarde, los ejércitos de Ricardo Corazón de León y de Felipe II Augusto de Francia, se encontraron también allí antes de partir hacia Palestina para protagonizar la tercera cruzada. En 1217 Francisco de Asís escogió la colina para fundar el primer establecimiento franciscano en tierra francesa y Luis IX, San Luis, lo visitó en cuatro ocasiones.
Posteriormente, sin embargo, Vézelay cayó en desgracia. La autenticidad de las reliquias fue puesta en duda y el número de peregrinos disminuyó drásticamente. Con el tiempo, los monjes abandonaron la abadía y durante las guerras de religión del siglo XVI, los hugonotes utilizaron la basílica como granero y cuartel militar. A mediados del siglo XIX, un joven restaurador de nombre Viollet-le-Duc devolvió a la basílica su esplendor original.
En el centro del tímpano, Jesucristo reina dentro de la mandorla con las piernas inclinadas hacia la izquierda. Bajo sus brazos abiertos , los apóstoles están sentados a ambos lados con libros en las manos y reciben el Espíritu Santo, representado por haces de luz que salen de los dedos de Cristo. De acuerdo con los Hechos de los Apóstoles en las casilllas radiales se presenta a los pueblos que deben ser misionados, cuyo aspecto se remonta a los conceptos de la antigüedad helenística. En la parte derecha del dintel aparece una familia de escitas con enormes orejas, pigmeos y gigantes, guiados por el apóstol Pedro y posiblemente Pablo. A la izquierda se lleva a cabo el sacrificio pagano de un toro, al que le siguen romanos y escitas como representantes de los pueblos pre-cristianos. Como relación ideológica entre el Antiguo y el Nuevo Testamento se indica la monumental figura de Juan Bautista, que parece junto a Cristo en el parte luz.
Con sus arcos redondeados, sus pesados pilares y otros motivos inspirados en la antigua Roma, el estilo románico de Vézelay expresa la ferviente espiritualidad de la Edad Media. Su orden y armonía son una muestra de la razón divina y su techo invita al creyente a la reflexión interior, alejada del mundo sensual. Su mampostería coloreada crea una atmósfera crepuscular y mística y sus decorativas esculturas ilustran historias sobre Dios, seres corrientes y, santos y monstruos, para inspirar y halagar, para impresionar y aterrar. Mediante figuras seculares y religiosas, las esculturas de Vézelay, una cumbre del arte románico, encierran tanto el humanismo como la santidad de la época.
Hace tan sólo una semana se emitió en España el último capítulo de la exitosa adaptación de la novela Los Pilares de la Tierra de Ken Follet. Éxito en cuanto a audiencia y en cuanto a crítica porque si bien como adaptación, al menos en los dos últimos capítulos, se desvía bastante de la línea argumental del libro en general como producto es de reseñar su buena calidad y entretenimiento. No debemos olvidar que un libro de 1300 hojas no es nada sencillo de llevar a la pantalla tanto por la extensión como por el estilo narrativo completamente diferente a una serie para televisión, pero como todo en esta vida lo demás ya depende del gusto y del punto de vista de cada uno, juicios que no competen a este artículo.
Walter Scott definió Durham "Mitad iglesia de Dios, mitad castillo contra el escocés". Situado en la cima de una colina rocosa que domina una curva del río Wear, el conjunto monumental formando por la catedral y sus edificios anexos en el sur y por el castillo en el norte constituye uno de los perfiles urbanísticos más famosos de la Europa medieval.
El deseo de incorporar más espacio y luz a la nave, lo que hacía necesario que las paredes fueran más altas, le indujo a evitar la contrucción de bóvedas pesadas en favor de una estructura nervada que pudiera sostener una cubierta de piedra mucho más ligera. Para encontrar un punto de apoyo en los muros más elevados donde convergían las nervaduras, diseñó un medio arco o arbotante, que ocultó bajo los techos de la nave. El arbotante y el arco ojival, elementos nacidos con la bóveda en nervadura, se convertirían posteriormente en los elementos distintivos de las iglesias góticas.
